Cómo eliminar las líneas del boceto de una acuarela

Cuando empecé a usar acuarelas sobre bocetos empezó mi búsqueda de una solución para eliminar las líneas de los bocetos, que no pasara por tener que delinear todos los contornos. Las líneas guía quedan permanentes cuando las cubres con la aguada. Hasta ahora siempre me habían dicho que todo pasaba por usar grafito 2H lo más tenue posible, pero esta solución no siempre me ha funcionado.

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Después del super botín de mi último cumpleaños quería probar los prismacolor col-erase con acuarelas.

He probado con varios colores (pues no todos se comportan igual), además de grafito 2H, HB y B de Faber Castell. Usando dos tipos de trazado: Trazado lineal (que es el más común para calcar el boceto al final) y mancha.

Para que la muestra me fuera lo más útil posible he usado mis materiales más habituales: acuarelas en pastilla, gouaches y acuarela líquida; en color amarillo, uno de los más claros y, por tanto, uno de los más problemáticos a la hora de eliminar el trazo del boceto.

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El resultado (borrando con una Faber Castell Art Eraser Dust Free 58 71 22) es:

  • En seco – con trazado lineal: desaparece en todos los casos.
  • En seco – con trazado de masa: desaparece en carmine red, vermillon, yellow, green, purple, terra cotta, y light blue.
  • Acuarela en pastilla – con trazado lineal: desaparece para carmine red, vermillon, yellow y grafito 2H.
  • Acuarela en pastilla – con trazado de masa: desaparece para camine red y yellow.
  • Gouache – con trazado lineal: desaparece para yellow.
  • Gouache – con trazado de masa: desaparece para yellow.
  • Acuarela líquida (anilina) – con trazado lineal: desaparece para yellow y casi por completo terra cotta.
  • Acuarela líquida (anilina) – con trazado de masa: desaparece para yellow y casi por completo terra cotta.

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Es importante que tengas en cuenta que el resultado final depende del papel que uses.

Y estos son mis últimos descubrimientos, ¿me cuentas tus trucos?

pd: cómo viajar con gouaches de bolsillo.

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Experiencias…

Curtiendome… Hoy comparto contigo una experiencia no del todo agradable en este camino ilustrado.

Había leído experiencias de otros ilustradores y, hasta que no he tropezado con el escollo no he aprendido. Todas esas experiencias que había escuchado, siempre hacían referencia a clientes más o menos grandes, nunca imaginé que esto entre compañeros también pasa. Me entristece, así que quiero compartir mi experiencia por si te sirve para evitar o hacer más llevadero algún incómodo y desagradable tropezón -por aquello del mal de muchos…-.

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El encargo desde el principio fue difuso. El grupo argentino LPR necesitaba la gráfica de su segundo trabajo. La chica que les iba a hacer la gráfica me pidió ayuda, y yo compartí una jornada de dibujo: pruebas, ideas… Volví a casa y en esos días me quedé con el run-run de lo que habíamos hablado, aquí me topé con esta ilustración de Emiliano Ponzi, los dibujos de Chillida y el plano que hay indicando los restos de la muralla de Madrid hallados en la construcción de la estación de cercanías de Sol, todo ello se mezcló en mi cabeza y mis manos se pusieron a trabajar, y envié este dibujo. Ella se lo envió al grupo y les encantó.

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Entonces llegó la propuesta formal, queremos que tú nos hagas las ilustraciones para el disco. ¡Genial! No podemos pagarte, sólo podemos ofrecerte poner en todo lo que publiquemos y promocionemos que las hiciste tú. Vale, he escuchado mil veces eso de no trabajes gratis, pero el proyecto me atraía y consideré que podía aprender mucho en el proceso, y al fin y al cabo que alguien de Argentina, tan lejos de mi mesa de trabajo vea mis ilustraciones y sepa que existo no está nada mal… Hablamos y quedamos en que dibujaría animales. Yo, por acotar el proyecto pensé que era mejor quedarse únicamente con animales argentinos, y para seguir con lo local, utilizar telares mapuches para las texturas. Hasta ahí todo parecía marchar bien.

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Llegó el primer escollo ¿cuántos hago? Cuantos más mejor…. Pedí que me diera un número aproximado, y como no se hizo decidí acabar con los animales de la lista que le había mostrado. Llegó el día de la entrega y a ella le gustaron mucho, alguno lo descartamos porque no me convencía, pero estaba bastante satisfecha con el resultado.

amvelandia_guanaco_blogLo que siguió a esos días se tornó bastante surrealista.

Esa misma noche de la entrega me dijo «Les mostré los dibujos y les gustaron mucho, genial Ana tranquila el trabajo está estupendo» (una buena noticia de postre para la cena que estaba disfrutando en ese intante, qué emoción!)

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Doce horas más tarde, «Ana lo siento no es lo que buscábamos, no van a utilizar ninguna de las ilustraciones» (sentí una patada en el estómago, y en el corazón. Sentí que mi trabajo no estaba siendo valorado, es más estaba siendo pisoteado. Respiré profundo, y seguí con otro proyecto diferente, en buena compañía, para evitar darle mucha importancia, al final a todo el mundo le rechazan trabajos. Yo estaba satisfecha con mi trabajo y si no había una crítica coherente y sólida a la que agrarrarse para mejorar, no merecía la pena darle más vueltas).

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Al día siguiente, que sí, que sí que nos quedamos con el gorila, ve pensando qué hacer para el banner y me vectorizas el gorila que es lo que vamos a utilizar y a mi me queda mal… Después de haber invertido un buen número de horas, ya que se iba a utilizar lo vectoricé y puesto que las decisiones, desde mi punto punto de vista, variaban entre extremos opuestos en cuestión de horas, decidí dar por zanjado el proyecto y seguir con otros trabajos.

Ya no sentía subidón porque usaran mi trabajo. Sí, me alegraba y me hacía ilusión que mis ilustraciones formaran parte de un proyecto al otro lado del Atlántico, y que gustaran, pero no quiero que la valoración de mi trabajo cambie con tanta rapidez, sin una justificación que respalde, con un mínimo de coherencia, un rechazo o una aprobación. Sé que es un símil que se pone muchas veces, pero no me imagino yo que llame al pintor a ver quiero que me pinte la casa, uy hoy me encanta, mañana no, pasado me quedo sólo con esta pared… el resto seguro que lo puedes reutilizar para algo, ahora ….

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Pasados unos días envié un mensaje, para saber qué tal había ido todo y si necesitaba ayuda con alguna parte del diseño  …Silencio….

Pasaron los días, más de una semana y a estas alturas, yo suponía cerrado el trabajo, con mi gorila como portada, incluso había recibido una prueba, supuestamente definitiva de la portada.

Perfecto, fin del proyecto, aprender de las dificultades  a otras cosas, que mi cabeza no puede parar y las horas del día se me quedan escasas.

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Pasaron dos semanas y media, y continuaba…

…el silencio….

hace unos días, por azar me encuentro en Facebook que esta persona invita en su muro a dar «like» en la portada del segundo disco de LPR. Mis ojos como platos al ver, que no había ni rastro del gorila ni nada que se le parezca… ni remotamente… no entendía nada. Considero que como persona merecía una explicación, no ha llegado.

Siento dolor, por el trato recibido, yo no puedo hacer mucho más que mostrar mi trabajo y compartir la experiencia, porque creo que cuando trabajas con personas, qué menos que decir no ha encajado. Mi trabajo no tiene que gustar a todo el mundo, pero si yo trabajo, hago un esfuerzo y te hago un favor, espero recibir a cambio al menos noticias, no enterarme de casualidad y de manera completamente casual y anónima con que se han descartado las ilustraciones supuestamente después de tener la portada definitiva… sólo pedía palabras…

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Como nada es perfectamente malo ni bueno, sé que he aprendido mucho con todo esto, y estos son mis consejos:

  • Necesitas tener un breif claro desde el principio.
  • Necesitas saber cuáles serán los límites del proyecto desde el principio.
  • Hacer un trabajo que te guste es un buen clavo al que agarrarse cuando te llevas estas decepciones.
  • Ser pagado por tu trabajo de manera justa, es una manera muy efetiva de que éste sea valorarlo.
  • Soplar las raspaduras de tus rodillas, levantar la cabeza y embarcarte en nuevos proyectos… Trabajar en cosas diferentes es una de las mejores curas para las heridas del camino.
  • Salir de tu zona de confort, merece la pena, aunque el proyecto no llegue al puerto que te gustaría, embarcarse enriquece mucho, y eso a la larga forma parte de tu experiencia y eso siempre suma.amvelandia_pinguino_blog

Gracias por haber llegado hasta aquí. Me encataría por favor que compartas tu experiencia, seguro que no soy la primera ni la última en enfrentarme a estas cosas. ¿Qué te ha pasado a tí? ¿Cómo es tu historia? ¿Cuáles son tus recomendaciones?

pd: muchos trabajos se quedan en proyecto de y algunos acaban en buenas manos
pd2: hoy comienza The InkTober Initiative de Mr Jake Parker, así que durante este mes las cosas por aquí serán monotemáticas 😉

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Rebecca Dautremer

Rebeca Dautremer me fascina. Desde que vi Princesas en una librería durante uno de los descansos para comer, cuando trabajaba como delineante. Fue todo un flechazo, poco a poco me fui preguntando ¿quién es ella? Tardé en hacerme con alguna de sus obras, y Princesas no fue la primera, y tengo un par de ellos aún en mi wishlist (especialmente su art book)

Me gusta su utilización del color, las atmósferas y su trazo (siento debilidad por el grafito). Y los detalles escondidos, si sus imágenes tienen un primer impacto muy potente, cuanto más las observas más extraes… También me atrae la persona que intuyo hay detrás, sensible, con personalidad, inteligente, curiosa, inquieta , humilde y una trabajadora casi incansable.

En la primavera de 2011 el museo ABC expuso sus originales de Alicia y El diario secreto de Pulgarcito, yo no hacía más que llevar a todo el mundo a verla, además de ir sola unas cuantas veces… Ahora hasta el 30 de agosto podemos volver a disfrutar de su obra. Originales de su último trabajo Una biblia, un álbum ilustrado que es una delicia.

Rebecca se ha pasado mucho tiempo entre mis borradores, hasta que con motivo de la promoción de Una biblia en Argentina, encontré en youtube dos de las masterclass que ofreció. Traigo los videos que para mí son los más personales y los que encuentro muy útiles. Todo un regalo.

El primero «Mis grandes retos«.

Cuenta que siendo estudiante de la Escuela de Artes Decorativas de París, un profesor le puso en contacto con Gautier-Languereau, el editor con el que lleva 20 años trabajando y eso da confianza. Sus primeros dibujos le llevaban tres intentos por dibujo (me encanta curiosear los comienzos de todos los ilustradores que admiro, porque me hace sentir la evolución y la recompensa del trabajo). Me llama la atención que esos primeros dibujos no reflejan el estilo que tanto la caracteriza e identifica hoy. Cuenta que esa búsqueda le costó mucho y con Enamorados descubrió el gouache (lo utiliza muy diluido, casi como si fuera acuarela), y se empezó a sentir cómoda. Desde entonces una búsqueda y evolución constante (yo me he sacado de la biblioteca Enamorados y Seda, aunque ya los había leído, y me estoy deleitando comprobando todo esto, una auténtico placer).

Cuando Rebecca habla de estilo, hace referencia al dibujo, la pintura, la técnica y la composición. Y lo más importante se encuentra trabajando, probando, produciendo. De su formación fotográfica rescata la composición, la profundidad de campo y la deformación óptica propia de las lentes.

Para el libro La gran corriente de aire lleva a cabo exploraciones que serían las bases del trabajo que desarrolla en Seda

En el blog de la APIM, sobre la conferencia que dio en Madrid en 2011, puedes leer sobre su proceso de trabajo:

  1. Diseño de personajes y vestuarios.
  2. Bocetos a lápiz buscando composición y ritmo. (estas dos primeras fases son las de «pensamiento», de producción de bocetos, un proceso para el que necesita absoluto silencio, y conllevan la mayor insversión intelectual y de tiempo). Se imagina paseando por la escena y buscando el mejor encuadre como una fotógrafa.
  3. Boceto definitivo a lápiz (si la composición tiene muchos elementos los dibuja por separado y se ayuda del ordenador)
  4. Escanea esos bocetos y utiliza Photoshop para hacer estudios de luz y de color previos al gouache, esta fase de no le lleva más de 15 minutos.
  5. Después del boceto definitivo, hace el dibujo a lápiz sobre papel Arches para acuarela de 300gr y lo utiliza por la parte del «revés» para que el papel no tenga tanta textura.
  6. El coloreado lo hace con gouaches muy aguado y es un proceso más mecánico. En esta fase pone música, audiolibros (esta faceta se la descubría a Frannerd y después en twitter, Eva Carot recomendó estos, un acierto ya que los primeros que encontré eran insoportables por la voz mecánica y enlatada).

Para un libro, el proceso pasa por un story previo donde define los planos, el ritmo… como si fuera una película para dar unidad al conjunto.

Y en la segunda batería de videos,

(A partir del 3/10) nos cuenta las maneras que encuentra ella para ilustrar «alejándose del texto»

  1. Representar lo que dice el texto.
  2. Puesta en escena, buscar el sentimiento de los personajes y transmitirlo.
  3. Sacar al personaje de la historia, y representarlo fuera de ella.
  4. Dibujar a los personajes con elementos que nos parecen propios de ellos, que el texto no cuenta.
  5. Caracterizar objetos emblemáticos de la escena caracterizándolo como si fuera un personaje.seda_crop
  6. Observar estilo del autor y plasmarlo en el dibujo. (ejemplo Alessandro Barrico utiliza muchas metáforas)
  7. Utilizar el texto como una voz en off de la imagen.
  8. Inventar personajes que no existen en la historia y hacerlos espectadores de la misma. Aquí habla del recurso de apoyarte en la metereología para expresar sentimientos.
  9. Si un texto está muy asentado en el imaginario colectivo (como ocurre con la Biblia) busca personajes escondidos en el texto y desarrollarlos.
  10. Imagínate en la escena, paséate por ella como si fueras un turista y «toma instantáneas» que capturen pequeños detalles. Estas imágenes no calcarán el texto y serán totalmente personales.
  11. Imagina las sensaciones físicas de los personajes. Y muy importante caracteriza los personajes que sean ese y no otro, pese a tus tics personales.

Sobre qué le inspira, menciona a la ilustradora Lisbeth Zwerger (referencia también para Benjamin Lacombe), y Carlos Nine (al comienzo de su carrera se fija más en el trabajo de otros ilustradores), ahora encuentra inspiración en el cine, teatro, los pintores flamencos, la fotografía….


Aunque en su trabajo predomina el gouache, prueba y evoluciona con nuevas técnicas como con el collage en El diario secreto de Pulgarcito, o el grafito engrasado con aceite o barniz para dar acabado como de grabado en Seda y Una biblia. Ahora trabaja en una curiosa historia sobre bigfoot con su marido, con mucho trasfondo.

Sus consejos:

  • ¡¡Permítete hacer!! (de su ponencia en Madrid en 2011 Niña pájaro menciona) «lo importante es dibujar aunque los resultados no sean tan perfectos como quisieramos, no debemos censurarnos sino buscar las respuestas a nuestras dudas repitiendo cuantas veces sean necesarias hasta que demos con lo que queremos encontrar«.
  • Trabaja como una «fotocopiadora»: anímate, arriésgate y equivócate. Dedica más tiempo a trabajar que a perseguir editores.
  • (del artículo de la APIM) «Este oficio requiere perseverancia y constancia. Todo el tiempo que dediques a aprender y perfeccionar es tiempo bien invertido. Analiza constantemente tu trabajo y no des una ilustración por buena hasta que no estés totalmente satisfecho de ella».

pd: otros de ilustradores de los que nutrirse aquí y aquí

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